NOS VAMOS A TÁNGER!


Mientras seguimos preparando el nuevo blog, nos embarcamos en un nuevo proyecto. "Otras miradas: Tánger" es una colaboración con el Instituto Cervantes de Tánger que pretende plantear preguntas en torno a la construcción de la identidad de “el otro” a través de nuestra mirada y reivindica la aceptación de la responsabilidad que implica la creación de imaginarios compartidos, paraísos visuales a los que otras personas viajarán a través de nuestras imágenes.

Para ello, Alfredo Cáliz impartirá con nosotros un taller en la poderosa e impresionante Tánger, la más mediterránea de las ciudades atlánticas, del 1 al 7 de julio, en el que pretendemos hacer un acercamiento a la fotografía de “el otro” que tiene como objetivo llegar a comprender la realidad que tenemos delante más que intentar explicársela a nadie. Cómo y por qué fotografiar lugares exóticos supone, cada día más, una cuestión importante a la que se enfrentan muchos fotógrafos. El descubrimiento y la adecuación de “el otro” a nuestro universo visual preconcebido es una primera fase de un proceso más complejo y con un recorrido mayor que nos gustaría explorar, enfrentándonos a las dudas sin resolver que se interpongan en el camino: ¿por dónde empiezo?, ¿qué fotografías hago?, ¿cómo lo quiero contar?...



El taller se estructurará en tres bloques: clases teóricas por la mañana, en la sede del Instituto Cervantes; paseos por la ciudad durante la tarde, con cámara o mejor aún sin ella, y sesiones nocturnas en la terraza del riad donde nos alojaremos, en la que compartiremos nuestras experiencias del día con fotógrafos tangerinos.

Esté viaje está reservado a todos aquellos que han sentido la necesidad de contar el mundo con sus fotografías y que buscan hacerlo de una forma personal; a los que se afanan en encontrar una posible explicación del mundo a través del hecho de tomar fotografías; a los que creen que vale la pena hacer una reflexión sobre lo que pueden contar sus fotografías de lugares exóticos y a todos los que, en definitiva, se han cansado ya de sus tópicas fotos de viajes y quieren dar un paso más allá.

Más información: inscripciones@cienojos.org
Más información »

VOLVEMOS EN JULIO!

Después de unos meses ocupados en pensar cómo queríamos que fuera nuestro nuevo blog, ya lo tenemos en cocina. Los diseñadores están trabajando en ello y dentro de poco os lo podremos presentar, en cuanto acaben la programación y lo llenemos de contenido nuevo.

Más información »

CERRADO POR VACACIONES Y REFORMAS

Cerramos temporalmente el blog por vacaciones y por reformas. Tenemos ganas de estrenar uno nuevo hace tiempo, a ver si el viaje por el sur nos aclara las ideas...

Que el 2013 os traiga mucha felicidad a todos!!!


Más información »

CASA//ARTE DEBUTA CON ÉXITO

Badri Lomsianidze
Organizar una feria de arte contemporáneo en los tiempos que corren es un acto heroico. Que lo haga una persona como Pablo Alemán (La Fundación), procedente del mundo empresarial y fotográfico pero relativamente ajeno al galerístico, aún lo hace más difícil (aunque la Directora Artística del evento, Blanca Berlín, haya sido su cómplice en todo el proceso). Y que esa feria se celebre en vísperas de una locura colectiva llamada "navidad", e intente competir con los perfumes y los turrones que arrasan en los top ventas, lo convierte en una hazaña mítica.

Sin embargo, CASA//ARTE cerró ayer sus puertas con éxito de público y ventas. Es verdad que la asistencia, en cuanto a número, no ha sido la esperada por la organización (nunca lo es), a pesar de haberse celebrado en un magnífico y céntrico local. Sin embargo, la mayoría de las más de 5.000 personas que se han acercado hasta aquí durante estos días han sido coleccionistas y profesionales realmente interesados en el arte contemporáneo, lo que ha repercutido de forma muy positiva en las ventas. Así nos lo han hecho saber la mayoría de los galeristas con los que hemos hablado ("satisfacción" ha sido la respuesta general más repetida) y es que, como siempre en la vida, es importante no confundir que es mejor poco y bueno que mucho y malo.

Con un objetivo claro, impulsar la iniciación al coleccionismo de arte contemporáneo, CASA//ARTE ha nacido como una propuesta innovadora y cercana:
  • selección de calidad de artistas consagrados y emergentes por un comité de expertos (nada paraliza más que el exceso de información y oferta), 
  • precios a la vista (como en cualquier lugar donde se acude a comprar y vender algo), 
  • techo de precio (máximo 1.800€, aunque la franja más común se ha situado entre los 500 y los 1.200€) 
  • y ubicación céntrica (nada de fríos y lejanos recintos feriales). 
El resultado ha sido una feria a la medida de las personas, en la que todos nos hemos sentido bien, visitantes y galeristas.

El coleccionismo de arte contemporáneo es la eterna asignatura pendiente de España. Cuenta su Director Pablo Alemán, en el texto de bienvenida del magnífico catálogo que han editado:
"Si un marciano bajase a la tierra y decidiese instalarse aquí para iniciar su carrera artística, sin duda, en un primer momento, quedaría impresionado por la interesante oferta museística y galerística del arte contemporáneo en nuestro país, por el talento de sus colegas terrícolas y por el amplio abanico de ferias en las que vender su obra. (...) Todo indica, sin embargo, que no es oro todo lo que reluce y que, frente a esa descomunal oferta, en el lado de la demanda, España es un planeta casi deshabitado, y que nuestro amigo marciano no lo va a tener nada fácil para exponer y vender su galáctica obra".
Mal acostumbrados durante décadas por generosas administraciones que consideraban la cultura y el arte como una prioridad (ay qué tiempos aquellos), es inútil esperar paralizados a que esa época vuelva. Porque no volverá. Los tiempos YA han cambiado y si no espabilamos, "nos extinguiremos como los dinosaurios" (que diría Fontcuberta). El arte es lo que nos hace humanos y tenemos que reivindicarlo como algo propio y esencial. Para eso, es imprescindible que la burbuja del arte también se desinfle (está en ello) y esto del arte se empiece a considerar una cuestión al alcance de todo el mundo.

Las 26 galerías seleccionadas se han esforzado por ofrecernos lo mejor de sus fondos, adaptando incluso los tamaños de las obras expuestas para esta feria, con el objetivo de ofrecer precios más asequibles. En cualquier caso, ¿a quién le cabe en su casa una pieza de tres metros de largo por dos de ancho?. A mí no, desde luego, ni a ninguno de mis amigos (que no son banqueros, por cierto). Por fin recuperaremos la sensatez en los formatos, después de décadas de "a ver quién la tiene más grande", y aprenderemos que cada obra requiere un formato adecuado a su voz y lo que cuenta.

Dividida en dos plantas, en la inferior hemos podido ver el trabajo de los artistas más desconocidos y emergentes, y en la superior, los consagrados. De los emergentes, me han robado el corazón o me han hecho reir (o ambas a la vez) Fernando Maseli, con sus geniales bodegones "deconstruídos con humor" (La Fundación Galería) y que tanto éxito de ventas han tenido; la cordobesa Lourdes Cabrera, con sus preciosas cajas-porfolio, en la misma galería; Sara Landeta (Galería 6mas1), que se revela como una genial ilustradora y narradora de polaroids; Pilar Cavestany (Taller 7), con sus inmersivas esculturas hechas con película cinematográfica o sus delicados dípticos en los que captura la vida entera de algunos lápices, y los locos "pisos pilotos" de Raquel de Prada (La lavandería), con fotografías aprisionadas en latas de sardinas.

En la parte superior, Raymaluz Art Gallery presentaba el interesante trabajo del cubano Glaubert Ballesteros, "Simados vitali", con sus retratos blanqueados; en la Galería Cero, de Efti, destacaban la argentina María Alché, con su maravillosa inmersión en el álbum familiar, y el chileno Emilio Pemjean con sus "Palimpsestos", reconstrucciones minimalistas de los espacios que aparecen en cuadros famosos pero vaciados de lo accesorio; en Espacio Foto, Luis Beltrán, José Ramón Moreno y Coco Canosa presentaban propuestas oníricas en torno al paisaje y la ciudad; en la Galería Aural, Cayetano Ferrández exponía su última serie de "El hombre gris", una interesante aproximación metafórica a la sociedad española y su inexplicable "triunfo de los mediocres"; en Trinta pudimos ver las bíblicas hierbas de José Ramón Ais, una aproximación pictorialista al bodegón de descampado que hizo que Rafa Doctor lo eligiera hace un par de años, en los debates de Photoespaña, como uno de los autores destacados para el siglo XXI; y en Rita Castellote pudimos ver trabajo expuesto de Ana Galán, Aitor Lara y Rafael Arocha, entre otros.

Emilio Pemjean
Pero fue Blanca Berlín la que, una vez más, nos sorprendió al presentar propuestas totalmente alejadas de tendencias y "artistas clónicos", como la del ecléctico georgiano Badri Lomsianidze con sus maravillosos e infinitos collages encerrados en cajas de hierro y madera; Eva Gabrielli y sus seductoras estampas de criaturas misteriosas, "Fair creatures", o Jaime Compaire y Pep Carrió, investigando en torno al collage también.

En la jerezana Sánchez de Lamadrid nos encontramos un regalo para los ojos, copias de época inéditas de Atín Aya, rescatadas, tras su muerte, del archivo por su hija. Compartían espacio con la obra de la joven Cristina Mejías, una interesante aproximación al tema de la crisis y las migraciones mediante el retrato, y con los bodegones de Isabel Sierra. Y cerrando el circuito, la sevillana AJG, que presentaba obra de Eduardo Nave, con gran éxito de ventas.

En definitiva, una feria pequeña que ha tenido un brillante debut este año y a la que auguramos y deseamos larga vida porque propuestas como estas, que acercan el arte contemporáneo, en general, y la fotografía, en particular, a los ciudadanos, poniéndola a nuestro alcance de forma asequible, hacen mucha falta. Mi única pena ha sido no poder haber podido comprar más. Mi humilde presupuesto ha alcanzado para una magnífica polaroid de Sara Landeta y un libro de artista sobre su serie "Los úrsidos". Y tan contenta!
Más información »

CHEMA MADOZ, DE NUEVO EN MURCIA

Madoz

 

El fotógrafo Chema Madoz vuelve a Murcia y lo podremos escuchar este próximo jueves 20 de diciembre en una charla-coloquio que tendrá lugar a las 20:00 horas, en el Aula CAM de Murcia (C/ Salzillo, 7), dentro del ciclo "Cultura contra la crisis".
 
Chema Madoz (Madrid, 1958) ha recibido el Premio PHotoEspaña, el Premio Bartolomé Ros y el Nacional de Fotografía. Sus
imaginativas fotografías han sido expuestas en museos, galerías y ferias de arte nacionales e internacionales, formando parte de las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Fundación Telefónica la Fundación Juan March, el IVAM y el Fine Arts Museum de Houston, entre otros. 

Sus trabajos han sido recogidos en varias publicaciones como Chema Madoz, 1985–1995 (Editorial Art-Plus, 1995), Mixtos (Editorial Mestizo, 1998), Chema Madoz (Ediciones Assouline, 1999), Chema Madoz habla con Alejandro Castellote. (Conversaciones con Fotógrafos, La Fábrica Editorial y Fundación Telefónica, 2003), Fotopoemario, (con Joan Brossa, La Fábrica Editorial, 2003), y Chema Madoz. Obras maestras, (La Fábrica Editorial, 2009).

"Intento acercarme a los objetos sin una idea preconcebida. Verlos como si fuera la primera vez que me enfrento a ellos. Generalmente el problema que tenemos es que en el momento en que damos algo por sabido, dejamos de prestarle atención. Y curiosamente todo aquello que nos rodea posee un misterio que a veces ni tan siquiera somos capaces de sospechar." (Madoz)

Madoz
Más información »

PHOTOBOOK CLUB MURCIA

Mañana martes 18 de diciembre tendrá lugar la sesión inaugural del Photobook Club Murcia. Será a las 19 horas en el CENDEAC (Centro de Documentación y Estudios de Arte Contemporáneo) y está enmarcado en los grupos de trabajo del Centro. La iniciativa nace como respuesta al creciente interés de los fotógrafos y bibliófilos murcianos por el fotolibro, y complementa de alguna manera el ciclo de Conversaciones en Torno al Fotolibro organizadas por Cienojos y CENDEAC.

La finalidad de las reuniones es la puesta en común de los fotolibros de los asistentes, que se irán comentando por todos los participantes. Para asistir es recomendable, aunque no indispensable, que todos lleven uno de sus fotolibros preferidos para presentarlo y compartirlo con los demás.
Creemos que el papel es el medio propio de la fotografía, y el libro el lugar más natural para el ensayo fotográfico. Nos gustan los libros, la literatura, el arte, nos gusta la fotografía, pero sobre todo, nos gustan los fotolibros.

Queremos reunirnos alrededor de una mesa para compartir nuestros libros, para presentarlos, tocarlos y contar a los demás por qué son tan especiales. Queremos que nos acompañéis trayendo esos libros que os encantan para aprender todos juntos.

Las reuniones de Murcia se enmarcan, como las de Madrid, Barcelona y otras ciudades, dentro de la iniciativa internacional The Photobook Club, creada por Matt Johnston en la universidad de Coventry (Gran Bretaña), donde el fundador imparte clase de fotografía.

Desde la organización solicitan que se confirme la asistencia a través de correo electrónico o de su página de Facebook.
Más información »

FOTOSECADO, 2ª EDICIÓN

Joaquín Marín

En Murcia la actividad fotográfica no para. Ahora nos llega otra interesante iniciativa de la mano de Pilar Morales y Sergio Goncharoff, dos fotógrafos que trabajan en esta ciudad y que este domingo organizan el segundo proyecto Secado, después de la primera edición que tuvo lugar el verano pasado. La cita será en el Malecón, a partir de las 12:30 horas.

En el propio blog del proyecto nos cuentan que la idea nació en San Petersburgo de la mano de Andrey Kezzyn en colaboración con Olya Luvetau. El primer secado tuvo lugar en mayo de 2011 y desde entonces lo han hecho en más de 30 ciudades de Rusia, Ucrania y Bielorrusia. Se trata de montar una exposición al aire libre, abierta a cualquier interesado, que sólo tendrá que llevar las fotos que quiera. La organización aportará las necesarias cuerdas y las pinzas, para colgar las fotos a secar, como si se estuviera trabajando con positivados de laboratorio.

"La idea es organizar un trueque/intercambio de fotografías; tú traes a secar tu obra y te llevas otra que te guste para disfrutarla en casa. Formato, tema, participación…todo libre y en la calle. Un modo de pasar un rato divertido, contactar y conocer gente con un mismo interés y llevarte una foto a casa."



Más información »

ZOOFILIAS

 

Zoofilias /Love for animals es el título de la próxima Ojo de Pez, la revista de fotografía documental que publica La Fábrica y con la que he tenido la increíble oportunidad de colaborar como Photoeditora invitada para este nuevo número, el 31 de la veterana publicación. Hasta la fecha, sólo lo habían hecho dos españoles antes que yo: Pepe Baeza, editor gráfico de La Vanguardia (nº 1), y Juan Valbuena + Matías Costa (nº 7), así que mi alegría es inmensa. La experiencia ha sido preciosa y desde aquí quiero expresar mis agradecimientos, sobre todo, a Arianna Rinaldo, la directora de la revista, que ha hecho que todo me resultara muy fácil, a pesar de mi inexperiencia. También ha sido imprescindible la colaboración y el apoyo de Gema, la diseñadora, que consiguió llevar más allá y mejor lo que yo le proponía, y el equipo de traductores, que se volvieron locos con el título, para encontrar la mejor solución posible en ambos idiomas (la revista es bilingüe, se publica en inglés y español). Y sobre todo a los fotógrafos seleccionados, cuya entrega y disposición ha sido incondicional y sin cuyas imágenes la revista no habría sido posible. Gracias a todos!

Mi trabajo ha consistido en desarrollar el dossier, las páginas centrales sin publicidad, en las cuales he incluido a Bego Antón (España) y sus amantes de las mariposas; a Paola de Grenet (Inglaterra) y sus perros casi humanos; a Simen Johan (Noruega) y sus terroríficos niños-torturadores de animales; a Cynthia Nudel (Argentina), con su oscuro y sereno zoo; a Martin Usborne (Inglaterra), cuyos perros encerrados en coches me han robado el corazón (un ejemplo en portada), y Alexandra Vogt (Alemania), con sus magníficos caballos, que forman parte de su vida creativa más allá de lo que hasta ahora habíamos visto. El work in progress ha sido para Carlos Spottorno y sus poderosos PIGS. Espero que lo disfrutéis tanto como yo haciéndolo! Os dejo con un fragmento del texto de introducción:
"Siempre he vivido rodeada de animales. Mi fascinación por ellos me acompaña hasta donde llega mi memoria. Y donde no alcanza, las fotos del álbum familiar me ayudan a recordar. Desde que era un bebé me emocionaba acariciarlos, olerlos, jugar con ellos. Mis padres siempre me lo pusieron fácil y no puedo recordar un sólo año de mi vida en el cual no hubiera, al menos, un perro en casa. Luego me trasladé a vivir al campo y tuve la experiencia de sentir cerca jabalíes, zorros, erizos, conejos, búhos, culebras y águilas reales. También llegaron los grandes viajes: acaricié ballenas en Baja California, buceé con manatíes en Belice, me paseé de noche entre leones en Sudáfrica... En cada recuerdo emocionante de mi vida, ellos han sido los protagonistas, como les ha ocurrido a todos los fotógrafos que nos acompañan en este número".
La revista aún sigue en imprenta pero está a punto de salir a la calle!.
Más información »

LLEGA LA 2ª OMNIVORE PHOTO SESSION



El Espacio Molinos del Río-Caballerizas de Murcia se convertirá este jueves 13 de diciembre, a las 19 horas, en la sede de la segunda Omnivore Photo Session. El colectivo Omnivore, con base en Murcia, es el promotor de esta iniciativa, resultado de una convocatoria pública en la que han concursado 69 trabajos de 12 países diferentes. De entre todas las propuestas, se han seleccionado 9 audiovisuales atendiendo a criterios de calidad y adecuación al tema propuesto, “Contexto”. A estos nueve se les suma un audiovisual invitado, el galardonado “Caracas. La sucursal del cielo” de la catalana Lurdes R.Basolí, ganadora entre otros de la beca FotoPress 2009 y el premio Inge Morath Magnum Foundation en 2010.

Encontraremos trabajos como el de Sergio Castañeira que nos enseña un mundo misterioso de profundos blancos y negros, un recorrido febril por un ambiente lleno de sugerencia. Víctor Garrido emprende un viaje a la Asturias rural, en pos de los "vaqueiros", una forma de vida ancestral de la que proviene su propia historia. El madrileño David Hornillos nos ofrece otra mirada a la ciudad y a las almas perdidas que la habitan en "Principe Pío". Encontramos historias cargadas de misterio como la que nos ofrece David Linuesa en "Cuando Apagues la Luz", un recorrido sensual sobre la distancia que separa a las parejas y los instantes íntimos donde esa distancia desaparece. En otra línea podremos ver el amplio trabajo de investigación social de Maria Morina, Olga Kravets y Oksana Yushko que intentan abarcar toda la compleja realidad de Grozny, la capital de Chechenia en "Grozny: Nine Cities". La argentina Cynthia Nudel nos enseña en "Underworld" fotos de un diario intimo de contornos imprecisos y resonancias profundas. La frágil fiereza de la adolescencia, con sus cambios y transformaciones es el tema de "Bidean", la proyección que nos presenta Miren Pastor. El holandés Yurian Quintanas nos acerca a lo trascendente en "Grabarka: Between Earth and Heaven", un trabajo contemplativo y poderoso sobre el mayor centro de culto de la comunidad cristiana ortodoxa en Polonia. Por último, Toni Rodríguez cartografía en "Geografías" un entorno urbano entre la pesadilla y lo poético.


Cynthia Nudel 

David Linuesa

David Hornillos 

María Molina

Miren Pastor

Sergio Castañeira 

Toni Rodriguez 

Victor Garrido 

Yurian Quintanas 

“La experiencia de ver estos trabajos en pantalla grande está más cercana al cine que a ver una exposición. La imagen te sublima de tal modo que te olvidas de todo lo demás para sumergirte de lleno en la historia” (Agus Bres)
Más información »

MEMORIAS COMPARTIDAS CON MARRUECOS


El próximo 12 y 13 de diciembre se celebrará un encuentro transfronterizo, "Memorias compartidas. Andalucía-Marruecos a través de la fotografía histórica", en el marco del programa Rimar, que se desarrolla con ayuda de la UE y la cofinanciación comunitaria FEDER. El proyecto cuenta con un consorcio de 3 beneficiarios: Instituto Andaluz del Patrimonio Artístico, Centro Andaluz de la Fotografía y el Ministerio de Cultura Marroquí, Región Tánger-Tetuán. El encuentro, que se celebrará en la sede de la Biblioteca de Andalucía, pretende mostrar las acciones que se están desarrollando en torno a la documentación fotográfica a ambos lados del Estrecho. En él participarán instituciones y profesionales de reconocido prestigio que darán a conocer sus experiencias en el campo de la digitalización, preservación y difusión del patrimonio documental fotográfico. Entre los objetivos del mismo, se encuentran la digitalización de los fondos fotográficos de Tetuán, donde tantos españoles vivieron, y su puesta en valor y comunicación. Estamos deseando ver los resultados!

La inscripción a las jornadas es gratuita, hay 50 plazas y para participar hay que enviar un breve curriculum al correo electrónico rimar.iaph@juntadeandaluacia.es. Programa en pdf.
Más información »

DOS SARDINAS Y UN BOTE DE TOMATE FRITO

"Compruebe cómo los ojos de esta mujer recorren una infinita autopista sentimental"
"Dos sardinas" es el nombre de la editorial que han creado Alfredo Cáliz (Panos Pictures) y Gregorio Apesteguía. Bueno, en realidad ése sólo es el nombre, su apellido es "Almacén y distribución de análisis conceptuales" y, aunque intuimos cierta gusa detrás de esa pantalla, nos entusiasma la idea de que algo así, que tanta falta hace, haya nacido hace poco. Su presentación no tiene desperdicio, os la reproducimos íntegra:
"Integrada dentro del grupo empresarial del Almacén de Análisis, surge esta plataforma de edición que arranca, en una primera fase, con una serie de exploraciones considerablemente heterogéneas fruto de las circunstancias históricas. Una vez superado el inicio, transitará hacia una línea conceptual que intentará hallar la unidad soñada en alguna parte.

2 Sardinas, de puertas afuera, se presenta como una cuadrilla de trabajadores de las letras, de la imagen y de la construcción gráfica que pretende encontrar pequeñas obras a desarrollar en otros lugares; de puertas adentro, intentará llevar a cabo algunos asuntos editoriales.

Para que se hagan una idea, les podemos decir que en 2 Sardinas hay una coordinación conceptual bastante correcta, uno que escribe, un fotógrafo, otro que tiene un ordenador marca apple, etc."
Manosalva / Dos sardinas
Su bibliografía abarca ya desde la genial "Ya no busco una respuesta... Me repite la pregunta?", con fotomontajes de Fabio Manosalva, a la más reciente "40", con fotografías de Alfredo Cáliz, un libro "sobre personas de este mundo que tienen 40 o más años y que en ocasiones sienten cierto pavor. Un álbum de cromos existenciales que le ayudará a extraer conclusiones bastantes relevantes acerca del paso del tiempo y de muchos otros temas relativamente adyacentes." Y sobre el cual, por si no hubiera quedado claro ya, avisan: "No hay nada emergente ni sorprendente, son las personas de siempre las que están aquí, cercanas y familiares, como esos tarros de tomate frito que se quedan abiertos en la nevera durante meses."

Nuestro querido Spottorno ya se ha rendido ante ellos, y nosotros, una vez más, no podemos dejar de compartir su contundente y lúcida opinión:
"Hace poco Alfredo sacó un libro titulado “40″. Una pequeña obra de arte en al que retrata a varios sujetos y sujetas en la década de sus 40 años. Este es un libro completo, cerrado. Un libro que cuenta algo con lo que me identifico: la estupefacción de verse a sí mismo irremediablemente ya no joven, y con la vejez todavía no enfrente, pero a la vuelta de la esquina. La sopresa del paso del tiempo sobre uno mismo, el mosqueo de reconocer al tío del espejo, sólo porque le ves a menudo. Con “40″ Alfredo se ha salido de su vida de fotógrafo de revista y con la facilidad de un virtuoso, ha creado un poema que plantea algo real, de un modo muy elegante y que sale de verdad desde dentro. Porque todos hablan de la infancia, de la juventud o de la vejez. Pero ¿y de los cuarentones? ¿quién habla?, ¿eh?."
(...) Desde aquí mi homenaje y reivindicación de este cuerpo celeste fijo en un firmamento en el que no es fácil deambular sin chocar con estrellas fugaces y supernovas."
Más información »

CONVERSACIONES EN TORNO AL FOTOLIBRO: JUAN VALBUENA


El próximo miércoles 12 de diciembre a las 20:00 horas en la sede del CENDEAC (Pabellón 5 del Antiguo Cuartel de Artillería, C/ Madre Elisea Oliver Molina, s/n, Murcia) inauguramos el ciclo Conversaciones en torno al fotolibro, con la presentación de Noray, el último fotolibro de Juan Valbuena.

"Conversaciones en torno al fotolibro" es un ciclo organizado por Cienojos en colaboración con el CENDEAC (Centro de Documentación y Estudios Avanzados de Arte Contemporáneo). En este proyecto nos proponemos explorar los nuevos lenguajes fotográficos empleados para la construcción de obras que van más allá de la fotografía y se sumergen en el mundo editorial: el fotolibro como una entidad artística y comunicativa completa e independiente.

Para indagar en estos lenguajes, nos visitarán a lo largo del año diferentes autores y editores independientes que están jugando un papel crucial en la edición fotográfica de nuestro país. De forma paralela a las grandes editoriales de arte, arquitectura y fotografía, estos pequeños editores son mucho más libres para la experimentación y tienen un trato mucho más directo con el autor, por lo que es aquí donde hierve y evoluciona el concepto de fotolibro.

En la primera sesión contaremos con la presencia de Juan Valbuena, que nos presentará su libro Noray y la editorial Phree. Además, hablará sobre el proyecto Bookip (Book in progress) que pretende hacer una recopilación de los mejores fotolibros independientes publicados en España desde el año 2000. 

Juan Valbuena (Madrid, 1973) desarrolla su trabajo en torno a los viajes, la tierra natal y la memoria de los pueblos. Es uno de los fundadores de la agencia Nophoto, coordina la iniciativa Proyecta, que contribuye a difundir el trabajo de jóvenes autores, y desarrolla numerosas actividades formativas. En el terreno más estrictamente editorial, ha publicado Nosotros, considerado uno de los mejores libros del año 2009 por el festival PHE09 y el Festival de Kassel 2009; ese mismo año edita Aquí y ahora, un proyecto de Nophoto sobre fotografía documental española para el Instituto Cervantes y AECID.

Más información »

ISRAEL ARIÑO EN EDICIONES ANÓMALAS


Ediciones Anómalas consolida su andadura en el mundo editorial con la publicación de Atlas, de Israel Ariño, un libro que navega por los territorios de la poesía y se desliza por los espacios de la imaginación. Es el segundo libro de esta joven editorial barcelonesa y con él, mantienen el exquisito cuidado en la edición que ya dejaron ver con su primer trabajo.
Atlas es una respuesta personal al reto de representar el nomadismo de la propia vivencia. La mirada de Israel Ariño se desliza por la realidad y se transforma en un mundo insólito y atemporal, captado e inventado al mismo tiempo: en sus fotografías emergen cosas y sensaciones que no estaban ahí de antemano y que se hacen presentes cuando se materializa la imagen y alguien la mira después. Sólo entonces se hace visible la poesía que permanecía agazapada en la copa de unos árboles, en una figura entrevista, los reflejos en un río, en el gozo de un instante de abandono, en una fantasmal medusa o en un barco velero que en la lejanía parece el juguete de una infancia ya perdida.
Ha sido publicado en una tirada de 400 copias numeradas: 300 ejemplares para la edición estandar, una edición especial de 75 ejemplares con una copia original, y una edición coleccionista de 25 ejemplares que incluye tres fotografías y un fotograbado presentados en una carpeta de artista elaborada por Àngels Arroyo. La primera presentación del libro tendrá lugar en La Retratería (C/ Mozart 14, del barrio de Gracia de Barcelona) el próximo viernes 14 de diciembre a las 19:00 horas.


Israel Ariño se licenció en Bellas Artes y cursó sus estudios de fotografía en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC). En el año 2006 crea la editorial Les Editions Impossibles; y en 2007, junto con Arangela Regis, Martí Llorens, Xavier Mulet y Rebeca Mutell crea el colectivo Atelieretaguardia. Desde el año 2005, ha publicado cinco fotolibros y otros tantos libros de artista. Su obra se ha expuesto regularmente en España, aunque es en Francia donde ha tenido una mayor acogida y repercusión.


Más información »

NUEVOS TÍTULOS EN ERRATA EDITIONS


La serie Books on Books de la editorial neoyorquina Errata Editions sigue creciendo devolviendo a la luz esos libros descatalogados, raros o carísimos que a todos nos gustaría tener entre las manos. Sin la pretensión de hacer reediciones, ellos optan por hacer reproducciones fotográficas en libros fotográficos, con extensos ensayos sobre la obra que reproducen; algo que viene muy bien para profundizar en el estudio de algunos autores que han marcado puntos de inflexión en la historia de la fotografía.
Errata Editions publica libros con un alto valor educativo y cultural para ponerlos a disposición de una amplia audiencia, con una especial atención a los fotolibros raros, que son imposibles de conseguir para estudiantes y nuevas generaciones de fotógrafos. Somos un grupo de profesionales de la fotografía, el diseño y la docencia que compartimos un común amor por la fotografía y el arte de los libros.
En esta ocasión, y después de un anuncio demasiado prematuro, por fin tenemos los cuatro nuevos libros de la colección: Sweet Life (Ed Van der Elsken), 122 Color Photographs (Keld Helmer-Petersen), The Banquet (Nobuyoshi Araki) y Drum (Krass Clement).

Sweet Life es uno de los libros más importantes y reconocidos de la fotografía holandesa. En la línea de On the Road o Los Americanos, Ed Van der Elsken traza en Sweet Life un viaje alrededor del mundo que, aunque en el contenido sea más similar a Los Americanos, en el fondo y la forma tiene más que ver con el New York de Klein. Juega con asociaciones libres, dobles páginas, ritmos cinematográficos... Otra de las particularidades del libro fueron las seis portadas con las que se editó, una diferente para cada país en el que se publicó.

122 Color Photographs es un sorprendente trabajo publicado originalmente en 1948 que se adelanta más de veinte años a la aceptación del color por las instituciones artísticas. Se podría decir que el fotógrafo danés Keld Helmer-Petersen sentó las bases de lo que posteriormente sería el trabajo de Stephen Shore o William Eggleston, haciendo ese tipo de fotografías que solo funcionan en color.

The Banquet quizá no sea el libro más representativo de Araki, pero combina de forma magistral dos tipos de imágenes que no tienen nada que ver: por un lado fotografía platos de comida de una forma un tanto comercial, en color, con flashes anulares y objetivos macro, y por otro, después de enterarse de que su mujer morirá en breve, hace lo mismo en casa pero con negros muy cerrados. Es, en definitiva, un homenaje a su última esposa a través de un foto-diario de las comidas que compartieron.

Y Drum, de Krass Clement, pasó a la historia como un trabajo realizado en una noche con tres rollos de 35 milímetros. Sin embargo, la noche que paso en ese bar irlandés suspendido en el tiempo, supone un ensayo sobre la vida contemporánea, sobre la alienación, la vida en comunidad o el miedo a la soledad.

Más información »

NUEVA ESCUELA EN CÓRDOBA


Acaba de nacer una nueva escuela de fotografía en Córdoba. Se llama Blow Up (Escuela y Cultura Fotográfica) y es una iniciativa de Andrés Cobacho, con la colaboración de nuestro José Juan Luque, uno de los ganadores de las Becas Invernadero. Ambos fotógrafos cordobeses han recibido diferentes premios, como el del London Festival of Photography, las becas del Seminario de Fotografía de Albarracín o Blank Paper.
"BLOW UP Escuela y Cultura Fotográfica nace de la pasión por la fotografía, con la idea de ofrecer una formación actualizada, de calidad y asequible para todos los públicos.
Especializada en fotografía documental y de autor, BLOW UP cuenta con una amplia gama de cursos y talleres que permiten alcanzar un alto nivel de conocimientos técnicos, expresivos y narrativos, impartidos por profesionales de la fotografía en activo.
De manera adicional, y para fortalecer su acción formativa y contagiar la pasión por el medio fotográfico, BLOW UP Escuela y Cultura Fotográfica, mediante sus programas de exposiciones, proyecciones, charlas y presentaciones; se convierte en un espacio en el que se aborda el estudio, desarrollo y comunicación de la fotografía, desde una perspectiva renovada, fresca, y en continua evolución".
El 1 y 2 de diciembre BLOW UP inicia su programación de Talleres de Autor con David Jiménez, "Lo que guarda una imagen". Aprovechando su presencia en la ciudad, David ofrecerá una conferencia abierta el 30 de noviembre a las 20,00h.

Con motivo de la presentación del espacio, se inauguró la exposición BLACK ICE, MOSCOW, del fotógrafo Salvi Danés. El trabajo se podrá visitar hasta el próximo 15 de diciembre.

Más información »

NACE CASA//ARTE


CASA//ARTE es una nueva feria de iniciación al coleccionismo que está a punto de nacer en Madrid, con el objetivo de "acercar la compra de arte contemporáneo a un público más amplio del habitual". Una feria diferente, nos cuentan sus organizadores, "pensada tanto para el no iniciado en la compra de arte como para el coleccionista experto en busca de nuevas propuestas y artistas. Una forma más cercana, amable y atractiva de comprar arte". Por eso, los precios serán asequibles y estarán a la vista, por si nos da vergüenza preguntar (entre 200 y 1800€).

La feria la impulsan la magnífica Galería Blanca Berlín, que ya nos sorprendió en el pasado Madrid Foto con las imágenes de Veru Iché a precios más que asequibles, y Pablo Alemán, Director de La Fundación. Se celebrará entre los próximos días 18 y 23 de diciembre, en la nueva sede del Colegio de Arquitectos de Madrid, en pleno centro de la ciudad (c/ Hortaleza). Habrá dos secciones, la General, integrada por las 25 galerías seleccionadas, y Emergentes/Solo projects, un programa pensado para aquellos artistas que nunca han sido representados por una galería (en su web te explican cómo participar). También ofrecen la oportunidad de colaborar como voluntarios a aquellas personas interesadas en vivir de cerca la organización de una feria de arte.

Con el fin de garantizar la calidad artística tanto de las galerías participantes como de los artistas expuestos, CASA//ARTE ha contado con la colaboración de un comité de selección formado por un selecto grupo de expertos: Javier Vallhonrat, artista y Premio Nacional de Fotografía; Leyre Bozal, conservadora de la Fundación Mapfre; Alejandro Castellote, comisario y crítico de arte; Enrique Vallés, coleccionista y vicepresidente de la Asociación 9915, y la propia Blanca Berlín.

Nosotros vamos a colaborar con ellos como Media Partners, así que les daremos cobertura desde aquí hasta que arranque la feria y luego nos trasladaremos a Madrid, el fin de semana, para vivirla de cerca y compartir con vosotros lo que por allí descubramos.
Más información »

ALMA, HIJA DE LA VIOLENCIA


Ahora que los géneros visuales se mezclan en algo que los teóricos aún no han acertado a describir y poner nombre, nos hemos encontrado este documental web del fotógrafo de la agencia VU Miquel Dewever-Plana y de la periodista y escritora Isabelle Fougère.

Alma, hija de la violencia es un desgarrador testimonio de una integrante de las maras guatemaltecas que profundiza en la violencia de uno de los países más duros y violentos del planeta. Los planteamientos vitales de los integrantes de estas “pandillas” son del todo incomprensibles para alguien que vive en “nuestro mundo”; y que después de ver el documental puede continuar siéndolo. Tras años de guerra y genocidio, los territorios mayas siguen sufriendo la violencia provocada por la pobreza, el analfabetismo, el desempleo, el narcotráfico y la discriminación.

Éste es, sin duda, uno de los audiovisuales más duros que puedo recordar; pero también expone de una forma cruda y sin tapujos una realidad que está ahí y que, de una forma o de otra, se respira en las calles de Guatemala. Si añadimos que, en un mundo que el imaginario siempre ha asociado a lo masculino, quien cuenta su experiencia es una mujer, el testimonio se convierte en algo desgarrador.

El formato del audiovisual es interactivo: por un lado aparece Alma contando su experiencia en primer plano, y de forma simultánea podemos acceder a las piezas de video, fotografías, ilustraciones y animaciones que ilustran sus palabras. En todo momento podemos elegir entre ver las expresiones de la protagonista mientras cuenta la historia o las imágenes a las que evocan sus palabras. Son cuarenta minutos de intensidad tal que requieren dedicación exclusiva.

El documental es una coproducción de Upian, el canal Arte y la agencia VU; con los textos y entrevista de Isabelle Fougère, las fotografías y videos de Miquel Dewever-Plana y las ilustraciones de Hugues Micol.

Miquel Deweve-Plana lleva trabajando más de diez años en las tierras mayas. Fruto de este trabajo ha publicado varios libros: La verdad bajo la tierra: Guatemala, el genocidio silenciado, Mayas, Hach winik y La otra guerra. Este último emparentado directamente con el audiovisual y que aborda esa guerra no declarada que sufre Guatemala de mano de las maras, las pandillas ultraviolentas que atemorizan y extorsionan a la población.

Todos los libros estaán publicados en español por Blume.
Más información »

EL BARRIO DEL MOLINETE VISTO POR JOSE Mª RODRÍGUEZ

Jose Mª Rodríguez
 
 
Pocos fotoperiodistas hay en la región de Murcia con un trabajo tan impecable -y lamentablemente tan oculto y desconocido- como José María Rodríguez Valero. Una oportunidad para conocer uno de sus primeros proyectos de autor es visitar su exposición El Molinete, años 80, en la gintonería Mazinger de Cartagena (C/ Juan Fernández, 65), que el bueno de José Mª inauguró el pasado jueves, acompañado por compañeros fotoperiodistas y amigos como el fotógrafo Juan Manuel Díaz Burgos y el pintor Gonzalo Sicre. Una docena de fotografías en blanco y negro que nos enseñan la peculiar atmósfera del desaparecido barrio cartagenero.  

Jose Mª lleva trabajando casi tres décadas para diarios locales de Murcia. Ha impartido clases de fotografía en la Universidad Popular de Cartagena y participado en varias exposiciones, entre las que destacamos su presencia en “Arco 85”, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (1986) o en el pabellón murciano de la “Expo 92”.

"Hacer fotos en el Molinete, antiguo barrio de prostitución de Cartagena, no era tarea fácil en aquellos años y aun más para un principiante; a no ser que a esta combinación el fotógrafo aportara pasión desmedida. Y no solamente de ella se valió, sino que además supo acompañarla de una mirada y frescura extraordinaria.
Este trabajo nos deja, sin duda, el recuerdo de un barrio típico, popular y, aun así, marginal de una Cartagena perdida en el tiempo, que no en la memoria para aquellos que la vivimos. Y lo que es mejor, para aquellos que no la conocieron. Es la fuerza de la fotografía escrita y narrada con mayúsculas, al hilo de otros fotógrafos que igualmente supieron contarla en la época en la que les toco vivir, como lo hizo el gran Joan Colom del barrio chino (actual Raval) de Barcelona. O Joaquin Collado, en Valencia. 
La obra de Joan Colom ha sido premiada con el Premio Nacional de Fotografía en el año 2003 y tanto su trabajo, como el de Joaquín Collado, se exponen en los mejores espacios expositivos, auspiciados por los respectivos responsables de sus gobiernos autonómicos, el catalán y el valenciano. La de este buen fotógrafo se encuentra guardada en sus archivadores, esperando que algún alumbrado y responsable cultural de esta comunidad quiera tenerla en cuenta algún día." (Díaz Burgos).
Más información »

LA FOTOGRAFÍA QUE NO HICE (I)


Inauguramos nueva sección en el blog. Como a veces hay que descansar de tanta imagen, os proponemos leer e imaginar esa foto que no vamos a publicar. Este texto es de Eva Rufo, una de mis alumnas en el Máster de Lens pero es animamos a mandarnos vuestras fotografías inolvidables, esas que se clavan en el alma y te arrepientes cada día de no haberlas hecho... Cuéntanos lo mejor que puedas qué viste y por qué no la hiciste, y si conseguimos compartir esa imagen contigo, si leyéndolo nos imaginamos esa fotografía perdida, la publicamos!

"Me levanto de la cama, acabo de mudarme a mi nueva casa, y aún no sé cómo se comporta la luz con ella. De camino a la cocina un haz de luz, como un rayo poderoso, atraviesa la habitación hasta encontrarse con la librería, aún sin libros.

Me quedo de pie, contemplando el espectáculo: miles de pequeñas motas de polvo en suspensión bailan dentro del haz. Cojo la cámara, intento capturarlas, pero al minuto la luz ha seguido su camino y ya no puedo verlas.

Las cosas aparecen cuando las iluminas."
Más información »

MOMEÑE EN PEGUERINOS

Eduardo Momeñe
La Fundación, una iniciativa dirigida por Pablo Alemán para la promoción del arte y la cultura, presenta un nuevo ciclo de sus Talleres de Invierno, que se celebran en La Casa de la Cueva, un refugio de media montaña situado en el entorno de la Sierra de Guadarrama, a 7 km de Peguerinos (Ávila) y 14 km de El Escorial. Este año los invitados son Eduardo Momeñe (5 -9 diciembre) e Iñaki Domingo (fechas por confirmar).

El taller de Eduardo lleva por título "La visión fotográfica. Hacia la comprensión del medio fotográfico", como su imprescindible libro, que ya va por la quinta edición, algo absolutamente inusual en el panorama nacional. Momeñe es fotógrafo y ha escrito numerosos artículos y ensayos sobre estética fotográfica, aunque la enseñanza de la fotografía ha sido clave en su forma de entender la creación fotográfica. Ha impartido numerosos cursos, talleres y seminarios y entre sus alumnos se encuentran fotógrafos de reconocido prestigio. Proyectos tan importantes como la serie de televisión La Puerta Abierta o la revista Fotografías, realizados en la década de los noventa, están considerados obras de referencia dentro de la difusión de la Fotografía, con mayúsculas, en nuestro país.
 
"Si las cosas pueden definirse por lo que no son, éste no es un taller de especulación, ni de reflexión abstracta acerca de la fotografía, sino un intento de comprensión del medio fotográfico para que nuestras fotografías sean más conscientes, y por tanto más inteligentes. Nuestra formación fotográfica es la base de nuestra práctica fotográfica, de nuestra capacidad para obtener imágenes más sólidas. 
(...) Todo ello se combinará con la práctica fotográfica en el incomparable marco natural de los bosques de Guadarrama. Realizaremos fotografías de figura con paisaje, plantearemos posibles acercamientos que pueden darse en la toma y se estudiará la problemática del encuadre y del lenguaje corporal, una labor de dirección fotográfica".
 
El precio del taller es de 385€ (este año han quitado la beca que daban de matrícula pero, a cambio, han rebajado el precio 75€ respecto al año anterior) e incluye matrícula, estancia y pensión completa, del 5 al 9 de diciembre. Así que, si no tienes un plan mejor, como ir a Londres a visitar las dos superexposiciones que hay, aprovecha el puente y disfruta con el gran maestro del que tanto hemos aprendido tantos!

La Fundación mantiene este año una beca para la producción de proyecto expositivo entre todos los asistentes a los Talleres de Invierno 2012.
Más información »

DANA POPA DOCUMENTA EL INFIERNO

Dicen que Don DeLillo, mientras escribía Mao II, trabajaba con dos carpetas, a una la llamaba “arte” y a la otra “terror”, nunca será el único. ¿Quién se atreve a describir el trabajo de Dana Popa, “Not Natasha” de “maravilloso”, si no es con otra carpeta a su lado que rece “terrible”?

Dana Popa (Rumania, 1977), bajó a los infiernos de la mano del Open Society Institute para documentar lo que queda de un grupo de mujeres que han sido víctimas del trafico sexual durante años.

Dana Popa, de la serie "Not Natasha" (2006)
 
Explica que son engañadas por amigos, por vecinos que les prometen un trabajo en la ciudad que las va a sacar del hambre y la pobreza. Son mujeres que jamás hubieran abandonado su aldea. Su pecado es que no fueron capaces de intuir que lo peor las esperaba tras la puerta de sus casas. Retratos de lo que queda de unas mujeres que sobrevivieron a la sordidez, al canibalismo y al inframundo.

Los depredadores ya no viven entre baobabs, ahora llevan planchados los cordones de los zapatos y beben Veuve Clicquot entre millonarias obras de arte, como si eso fuera a apagar el ruido de fondo que, de noche, a solas, emite su eterna maldad.
Más información »

LA LEVEDAD DE MONTI




 
Francisco José Sánchez Montalbán "Monti" (Cartagena, 1964) es, además de profesor titular de fotografía de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada (donde se doctoró en Bellas Artes y se licenció también en Antropología), fotógrafo

Mañana inaugura la exposición El prodigio de la levedad en el Palacio Molina de su ciudad natal. Monti desarrolla su vida profesional en Granada, donde también ha comisionado alguna exposición y dirige la Colección de Arte Contemporáneo de la Universidad. Asimismo, es autor del manual de fotografía Bajo el instinto de Narciso.  

Para él esta muestra, con una selección de imágenes realizadas en los últimos 20 años, es también una especie de homenaje a la ciudad de sus orígenes, donde sólo ha expuesto en una ocasión. 



"El Prodigio de la levedad es una selección de fotografías que hablan de cosas sencillas, de una manera de descubrir y reconocer sensaciones que la vida ofrece para ser enmarcadas por la mirada y rescatadas del tiempo. Es una forma de certificar que la vida va sucediendo entre acontecimientos extraordinarios que ocurren mientras nosotros nos dedicamos a otros asuntos. Los fotógrafos asumimos en muchos casos un compromiso de redención e interpretación y nos lanzamos a corazón abierto a una caza encubierta de esos instantes verdaderamente prodigiosos. Por ello, la selección de estas fotografías está realizada a partir de imágenes que a lo largo de los últimos años han ido construyendo un catálogo de trofeos sobre la vida y sus protagonistas, una colección de experiencias desde la mirada clandestina, a veces sorprendentes, otras irónicas, otras críticas."

 
Más información »

L'INASSOLIBLE ¿REALMENTE INALCANZABLE?


L’Inassolible, de Roger Guaus, es mucho más que un libro que explora en el archivo familiar. Es una experiencia que nos traslada, de la intimidad más absoluta de Guaus, a la universalidad de las relaciones familiares. Es un canto a la generación de nuestros padres, a sus valores y su manera de estar en el mundo. Es una maravilla.

El texto de su padre, Manel Guaus, “Reflexiones de un padre de cincuenta años”, es el hilo que nos conduce, de la intimidad de un padre con su hijo, a los deseos de todo padre para sus hijos. Las fotografías del álbum familiar, las propias fotos del autor, el papel, los textos... se abrazan en un conjunto redondo que nos traslada a un territorio a medio camino entre la melancolía y las ganas de seguir creciendo.

Las diferentes voces presentes del libro se unen bajo la edición de Guaus para crear un discurso profundamente personal, enraizado en su memoria que es, en lo esencial, común a toda una generación.
Hemos vivido casi veintisiete años juntos y hemos pasado momentos buenos y malos. Los buenos no hace falta nombrarlos ya que dejan un buen recuerdo; de los malos sólo quiero decirte que soy consciente que muchas veces han sido por mi culpa, reconozco mis “neuras” y es por ello que te pido que me sepas perdonar, tal vez el exceso de celo por ti, las ganas de que pusieras lo mejor, el buscar la absurda perfección a la que estoy dedicado toda la vida (qué equivocación) hicieron que mi grado de exigencia hacia ti fuera exagerado. Esto, evidentemente, conduce a tensiones muchas veces innecesarias y absurdas.
                                                                                                                                        Manel Guaus
El trabajo está publicado por la Ca L'Isidret Edicions, un proyecto editorial integrado por el propio Roger, Aleix Plademunt y Juan Diego Valera, que les sirve de plataforma para publicar sus trabajos más personales.

Quizá sea inalcanzable, pero Roger lo roza con su L’Inassolible. Y por si quedaban dudas, no, no es un libro más de las intimidades de un fotógrafo.
Más información »

CRISTINA GARCÍA RODERO EN BLANK PAPER


El próximo jueves 15 de noviembre, a las 19,30h, la gran Cristina García Rodero impartirá una charla abierta en Blank Paper (Madrid), en el marco del curso Nuevo Fotoperiodismo. La entrada es libre hasta completar aforo. Para los que se queden con ganas de más, el 1 y 2 de diciembre impartirá un taller también en la misma escuela.
Más información »

ENTREVISTA CON DANIEL MAYRIT


Tuve la suerte de conocer a Daniel Mayrit (Madrid, 1985) en este último Scan (Tarragona). Bueno, en realidad nos conocimos antes, tomándonos unas cervezas en una de esas plazas tan agradables que tiene la ciudad romana. Su manera tan consistente de hablar sobre la fotografía me llamó mucho la atención y el flechazo fue instantáneo. Al día siguiente me acerqué a visionar su trabajo y lo que ví me gustó aún más. En realidad, la noticia corrió como la pólvora y el segundo día del Full Contact, Daniel no daba abasto para atender a todos los que querían ver lo que hacía.

Daniel Mayrit nació en Madrid y es Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid. Pero enseguida comprendió que si quería dedicarse en serio a esto, tenía que volar. Y se fue primero a Copenhague, a estudiar Cine, y luego a Londres, donde reside en la actualidad, después de graduarse hace años en Fotografía por la Universidad de Westminster.

Su trabajo se podría ubicar en ese terreno tan atractivo que queda entre la ficción y lo documental, donde tantos autores contemporáneos están acampando, aunque él lo aborda desde una perspectiva política e informativa que se agradece mucho y lo lleva más allá, construyendo imágenes que suceden "antes de los hechos" e implicando siempre y significativamente al espectador en el proceso. En su statement él mismo lo explica así:

"Mayrit explora las fronteras entre estas dos prácticas, dando como resultado imágenes difíciles de encasillar dentro de ninguna de estas dos categorías, dejando así abiertas preguntas sobre si han sido cuidadosamente preparadas o han sido producto de la fortuna. Para ello, sus proyectos hacen uso del imaginario proveniente de diferentes medios, desde la prensa tradicional a internet pasando por el arte clásico. Su objetivo no es poner en evidencia la artificialidad de todos esos lenguajes o procesos de creación de imágenes, sino cuestionar y desafiar las preconcepciones y expectativas del espectador e invitarle en última instancia a ser consciente de un determinado discurso y agenda."

Su proyecto "Suburban scenes" (que fue uno de los que nos presentó, montado en magníficas cajas de luz, como si de monitores de ordenador de tratase) habla de los días previos a las revueltas de Londres del verano del 2011. Para ello, Daniel se trasladó al barrio de Tottenham, donde empezó todo, y buscó esas imágenes que ni los medios tradicionales ni internet nos habían mostrado, esos encuentros, esas miradas furtivas, esos desasosegantes martillos en manos de personas "sospechosas", esos callejones con puertas laterales semiescondidas... buscó a las personas y esos escenarios donde se supone que se fraguó todo lo que vino después y allí construyó su historia, para recordarnos la incapacidad de la fotografía como medio para representar tantos temas.



En "The intolerable image" vuelve a meter el dedo en la llaga del fotoperiodismo para mostrarnos las imágenes censuradas de algunos conflictos cercanos, imágenes llenas de dolor y muerte que parece que duelen menos cuando son otros los que sufren, como tan bien explicó Susan Sontag en su libro "Ante el dolor de los demás", pero que duelen más cuando son "los nuestros" los que mueren. Su objetivo es "explorar la reacción del espectador al ser confrontado con imágenes aparentemente familiares pero cuyos sujetos no encajan dentro del estereotipo generalmente establecido."


Como me quedé con muchas ganas de hablar más con él, hace unos días le mandé una entrevista vía email, que él respondió inmediatamente y con estusiasmo. Y ahí va lo que me contó. Espero que lo disfrutéis tanto como yo. Muchísimas gracias, Daniel!

***
Cómo y cuándo empieza tu relación con la fotografía. 

Pues de una forma bastante poco romántica y poco tradicional. Yo estaba estudiando cine cuando vivía en Madrid y quería ser director. En algún año de facultad decidí cursar la optativa de Fotografía porque todo el mundo sabía que era la típica maría. Lo que pasa es que una vez que me fui metiendo en ello vi, por un lado, que era un medio que me resultaba más afín para el tipo de cosas que yo quería contar, y por otro, que el control sobre la obra en términos creativos y de producción era potencialmente mayor en la fotografía que en el cine. En realidad fue una decisión más racional y meditada que algo natural y romántico. Para serte sincero yo no tuve una cámara de fotos hasta los 20 años.



Cuál ha sido tu trayectoria formativa.

Estudié primero Comunicación Audiovisual en la Complutense de Madrid (de ahí que haya acabado en Londres), a la vez que dirección cinematográfica en una Escula de Cine, el NIC. Viéndolo en perspectiva creo que aunque no haya acabado dedicandome al cine sí que hay una influencia de éste y de la teoría de los medios de comunicación bastante importante en mi trabajo.

Después de eso, estudié en la Universidad de Copenhague, en Dinamarca, donde viví un par de años. Fue interesante en el aspecto formativo, pero fue más relevante a nivel personal. Es un país que me enseñó a ver el mundo de una manera bastante diferente a cómo se ve desde España.

Por último, di el salto a Londres para estudiar fotografía artística en la Universidad de Westminster, que fue la revelación definitiva y donde aprendí casi todo lo que sé hoy en día, no sólo en cuanto a técnica sino sobre todo en cuanto a planteamientos teóricos.

  
Qué fotógrafos te interesan más y cuáles te interesan menos.

Me interesa la gente que tiene algo que contar sobre el mundo, que tiene una preocupación por las cosas que pasan en nuestro tiempo y que sabe enmarcarlo dentro del momento histórico en el que se encuentra el discurso del arte contemporáneo.

Para mi es fundamental que la fotografía (y el arte en general) se cuestione absolutamente todo, que luche contra el status quo y que haga avanzar las fronteras del propio medio fotográfico y de la sociedad en que vivimos.

Supongo que por el tipo de fotografía que yo mismo hago me interesa mucho la gente que trabaja con tableau; evidentemente Jeff Wall (aunque le encuentro muchos ‘peros’), Hannah Starkey, Mathew Baum, Tom Hunter, Mitra Tabrizian... en este sentido dos fotógrafos a los que no me importaría parecerme son Mohammed Bourouissa y Juul Hondius. También gente de los New Topographics, Escuela de Dusseldorf, la fotografía conceptual de los 70 post-‘New Documents’, Chanarin y Broomberg... hasta el net.art me parece interesantísimo.

Habiendo dicho todo esto, también he de añadir que a la hora de buscar referencias para mis fotos siempre tiendo a mirar más a la pintura que a la fotografía, sobre todo a los clásicos europeos del XVIII y XIX, a la pintura histórica y al hiperrealismo americano del siglo XX. La verdad es que la escuela realista norteamericana está tremendamente infravalorada y su relación con la fotografía es muy reveladora.

Por último, lo que menos me interesa son, por un lado, las historias personales, y por otro, el fotoperiodismo y la fotografía documental tradicional. Creo que generalmente ambos, por diferentes razones, adoptan un punto de vista sobre la fotografía y sobre el mundo tremendamente conservador, tanto político como visual. Y por eso, además de no compartir sus planteamientos, me parecen en su mayoría tremendamente aburridas.


Cómo te definirías como fotógrafo y cómo definirías tu trabajo. 

Digamos que esencialmente entiendo la fotografía y el arte en general como un lenguaje, y como tal se compone de signos a los que arbitrariamente se les ha asignado un significado. Como con cualquier otro lenguaje yo lo que intento hacer es utilizar esos signos, cuestionarlos y reorganizarlos para contruir un mensaje determinado y ofrecer mi particular visión de las cosas. Explorar no solamente el medio fotográfico sino el mundo en el que vivimos. En este sentido creo que el arte tiene que tomar partido y ser militante, tiene que proponer una visión nueva del mundo y tiene que intentar hacer partícipe de ella al espectador.

Por otro lado, precisamente esa relación con el espectador tiene un papel destacado en mis fotos. Creo que toda obra de arte necesita de un espectador activo que sea parte no importante, sino esencial de la obra de arte. No recuerdo qué crítico de cine dijo una vez que las buenas películas debían de ser como las de Hitchcock, asequibles para todo tipo de públicos, aparentemente sencillas y entretenidas pero con una carga moral e intelectual subyacente importantísima, y que depende del espectador si quiere quedarse en la capa más superficial o llegar hasta la capa más erudita de la obra. Yo intento humildemente que mi trabajo vaya en esa dirección.


Qué es para ti la postfotografía.

A mi me gusta la definición de Martha Rosler, que en un sentido literal apunta a aquello que está más allá de la práctica fotográfica. Es decir, la producción de imágenes fotográficas sin el aparato fotográfico (‘aparato’ entendido a la manera anglosajona, no como un objeto, sino como un conjunto de implicaciones prácticas y teóricas).

Evidentemente esta forma de entender la postfotografía no cobra sentido hasta la irrupción del digital, que originó y sigue originando un aluvión fascinante de preguntas sobre las fronteras de la práctica fotográfica.

Sin embargo, y aunque buena parte de mis preocupaciones giran en torno a las implicaciones teóricas de la práctica digital, más que la postfotografía a mi me interesa el concepto de fotografía postdocumental, que además es bastante más relevante al mirar a mi trabajo.

El concepto es bastante problemático en sí, porque se lleva utilizando de mil maneras diferentes para definir practicas a veces antagónicas. Yo particularmente abogo por una interpretación a la manera de Rosler. Es decir, postdocumental es todo aquello que reside más allá del documental. No antes ni en una esfera diferente, sino más allá. En pocas palabras, el documental sin documentos. Y aquí ya entramos en un terreno pantanoso. Para no extenderme mucho, yo lo que defiendo es una intervención absoluta del autor en una determinada realidad, hasta el punto de construir (no reconstruir) una determinada escena o situación con la única intención de ser fotografiada, y que nunca hubiese existido en ese espacio y en ese tiempo si no fuese con ese fin. Una vez construida, tú como artista puedes hacer uso de todos los signos y clichés del lenguaje documental (o de cualquier otro) y obtener como resultado una imagen que parece documental pero que no lo es. Las posibilidades creativas que esto ofrece son infinitas, pero las preguntas teóricas que plantea son muchísimo más interesantes. Utilizando elementos puramente fotográficos se pone en cuestión todos los resortes sobre los que descansa la fotografía documental tradicional: la relación entre imagen y referente y sobre todo las nociones de indexalidad y factualidad que durante décadas parecían inamovibles.

A mi me gusta llamar a esto fotografía ‘antes de los hechos’, en oposición a fotografía ‘después de los hechos’ que es como se suele describir la práctica de fotógrafos documentales cercanos al arte como Delahaye, Wylie y compañia (photography after the facts).


En qué proyectos estás trabajando ahora y qué planes tienes a medio plazo.

Llevo tiempo pensando en cómo abordar el tema de la crisis financiera, que evidentemente es el Gran Tema de nuestro tiempo, y mi próximo proyecto seguramente irá por ahí. Me parece cuanto menos sorprendente que llevemos ya 5 años de recesión económica, de recortes, etc. etc. y que no haya muchísimos más trabajos de los que hay. Sí que hay notables excepciones, ‘C.E.N.S.U.R.A.’ de Julián Barón o ‘This is not a House’ de Edgar Martins se me vienen a la cabeza, pero creo que hay una gran falta de reflexión artística seria acerca de este tema y de sus miles de ramificaciones.


Cuál es tu percepción de la fotografía en España. Qué nos falta, qué nos sobra. Y cuál es la situación actual de la fotografía en Londres, hacia dónde va la fotografía allí.

Para serte sincero he vivido fuera de España desde que me empecé a dedicar a la fotografía así que mi visión seguramente será parcial y algo distorsionada. No obstante, lo que percibo cuando voy de visita, cuando veo exposiciones, cuando hablo con amigos, es que hay una escena demasiado conservadora. Me da la impresión de que falta riesgo. O mejor dicho, creo que hay muchos proyectos muy interesantes que no salen de un círculo muy reducido porque no hay suficiente apoyo institucional, porque hay un cierto establishment que no apuesta por nada que se salga de unos parámetros muy convencionales.

En este sentido Londres, que es donde vivo, es todo lo contrario. Evidentemente también tiene su establishment, pero su circuito de galerías, financiación, festivales, etc. es tan amplio que no es ni mucho menos minoritario.

Personalmente creo que el motivo tiene que ver por un lado con la educación y por otro con la financiación. Lamentablemente en España no hay ni lo uno ni lo otro. Creo que se dan pasos en la dirección adecuada, hay colectivos y escuelas que intentan cambiar esto, pero eso es una minoría de admirables luchadores. El apoyo oficial e institucional a la fotografía de vanguardia deja muchísimo que desear.

En un plano más teórico creo que el problema de España es que no se habla suficiente inglés y consecuentemente hay millones de libros que nunca se publican pero que tampoco se traducen, así que todo llega con retraso, si llega. Ahora que parece que por fin se ha sobrepasado la semiótica una de las corrientes que cobra más fuerza es la de la Teoría del Afecto que en España no se ha oído hablar mucho de ella.

En lo práctico, en Londres ahora mismo hay temas excesivamente recurrentes como el de espacio y territorio, también mucha fotografía introspectiva (a lo Francesca Woodman) que encuentro insoportablemente cansina y sobre todo hay un revival importante de la fotografía conceptual (si es que alguna vez ha llegado a estar ausente) con tintes político/sociales que creo que es lo más interesante del momento. En este terreno creo que por ejemplo David Birkin va a ser una de las figuras más influyentes en los próximos años, si no lo es ya; Taryn Simon tiene treinta y tantos y ya está más que consolidada en América; Idris Khan, Ori Gersht, Broomberg y Chanarin... son lo que están marcando el camino ahora mismo.

Y por último hay una presencia abrumadora de artistas trabajando todas las posibilidades que ofrece la técnica digital y la influencia que tiene no sólo sobre la fotografía sino sobre cualquier otra expresión artística. Aquí me la juego un poco pero posiblemente el llamado mix media sea lo dominante durante lo que queda de década.


Más información »